A3 — Présentations étudiantes

A3

Présentations étudiantes

Anqi Liu

J'aimerais présenter mes expériences les plus récentes d'incorporation de la psyché dans le processus de composition. Il s'agit d'utiliser la partition comme une heuristique pour provoquer les possibilités potentielles maximales inconnues et incertaines du son via les interprétations des interprètes. Cela implique d'examiner davantage quel type de conception harmonique, et quelles particularités d'accordage, stimuleraient au maximum la psyché à l’intérieur de l'esprit de chaque interprète. Je vais utiliser une pièce solo pour flûte basse comme exemple pour aborder cette pratique en détail. Dans ce solo de flûte basse, la question que je me suis posée avant même d'écrire une seule note pour cette pièce était de savoir comment créer un espace pour l’interprète afin qu'il.elle puisse respirer de façon à la fois libre et contrainte. Le temps est essentiel : le.la musicien.ne a besoin d'une zone de temps relativement plus libre mais avec certaines contraintes cruciales ; bien que ces contraintes ne proviennent pas du rythme/tempo ou des calculs de temps mais plutôt directement de la sphère des gestes musculaires impliqué dans le fait de jouer l'instrument. Les flûtistes chantent naturellement des voyelles dans leur flûte lorsqu'il.elle.s jouent. C'est un langage idiomatique incorporé. L'expérience que j'ai tentée était d’investiguer ce qui se passerait si je leur demandais de chanter des voyelles spécifiques, en particulier dans un accord déjà relativement difficile. Je parlerai également de ma pièce d'ensemble Etude of Echoes qui a été composée dans le cadre du séminaire ACTOR à l'UC San Diego, dirigé par Roger Reynolds. Dans cette pièce, la pratique est abordée plus en profondeur dans quatre instruments ainsi que dans la sonorité de l'ensemble.

Enregistrements d'exemples :

·     https://www.youtube.com/watch?v=fiKMm6Vb1_o

·     https://soundcloud.com/anqiliu/etude-of-echoes-with-spatialization

·     https://www.youtube.com/watch?v=fiKMm6Vb1_o

Jorge Ramos

Cette recherche explore de nouvelles méthodes d'orchestration, en se concentrant sur l'influence de l'électronique sur la pratique de l'orchestration. En s'appuyant sur les techniques de composition de la musique électronique et les outils de façonnage timbral, ce projet remet en question les limites de l'orchestration et explore les processus sous-jacents aux décisions d'orchestration. J'utiliserai de nouvelles approches pour le mélange timbral, la spatialisation et l'acoustique, l'orchestration en temps réel, l'orchestration assistée par ordinateur et l'extension de la palette timbrale en repensant les idéaux de la composition spectrale. Grâce au corpus d’œuvres qui en résulte, ce projet vise à créer de nouveaux mondes sonores et de nouvelles expériences pour le public tout en situant mon approche distinctive par rapport à d'autres pratiques existantes. En outre, un commentaire d'accompagnement éclairera la profonde recherche pré-compositionnelle de ma pratique de l'orchestration en identifiant les techniques et en évaluant leur application. Pour explorer de tels concepts, il est essentiel de mener une recherche auto-ethnographique dirigée par la pratique. Cela permet une exploration et une application complètes et créatives des outils acoustiques/électroniques et spécifiques au site. Cette approche axée sur la pratique comble une lacune de la recherche actuelle, qui manque de documentation sur les aspects musicaux de l'orchestration à l'ère de l'informatique. Jusqu'à présent, les études psychoacoustiques ont été la force motrice, mais elles négligent l'application créative de techniques timbrales résultant de l’utilisation de l'électronique. Enfin, en reconnaissant l'influence de l'électronique sur mon approche à l'orchestration, principalement due à ma carrière de compositeur et d'interprète en électronique, j'espère découvrir de nouvelles avenues dans ce domaine en combinant des systèmes électroniques (orchestration assistée par ordinateur) et non électroniques (concepts d'orchestration intuitifs et/ou traditionnels) dans ce que je considère comme mon discours orchestral.

Victor Rosi

Il existe plusieurs attributs clefs définis par les experts du son pour caractériser le timbre. Leur utilisation est courante mais varie fortement en fonction du domaine professionnel. Il n'est donc pas toujours garanti que leur compréhension soit similaire. Dans ce travail, nous voulons mieux comprendre la perception de quatre attributs subjectifs du timbre et tenter de proposer une définition acoustique. En utilisant une méthode de notation subjective appelée Best-Worst Scaling sur une grande base de données sonores, nos résultats montrent des différences de compréhension de ces attributs au sein et entre quatre groupes professionnels (c'est-à-dire ingénieur.e.s du son, chef.fe.s d'orchestre, designers sonores et compositeur.rice.s). Fondamentalement, le Best-worst scaling permet d'associer des scores latents à chaque élément d'un corpus en fonction d'un concept subjectif étudié. L'exploitation de ces scores, couplée à l'extraction de caractéristiques audio de la base de données sonores, permettra de faire émerger le code acoustique de chacun des attributs étudiés dans le cadre d'un processus de sélection de caractéristiques. Nos résultats nous renseigneront sur la relation qui peut exister entre les termes. La méthodologie est également présentée comme une solution potentielle pour l'annotation et le traitement d'un grand nombre de stimuli sonores dans un cadre expérimental.

Joshua Rosner

La recherche actuelle sur le timbre s'est essentiellement concentrée sur ce que George Lewis (1996) appelle les traditions eurologiques, c'est-à-dire les traditions musicales fondées sur des croyances, des comportements et des logiques d'origine européenne. Les traditions non eurologiques restent peu étudiées et offrent la possibilité d'étudier le rôle du timbre dans de nouveaux contextes. Ma recherche sur le timbre et l'orchestration des big bands et des orchestres de jazz, un créole de pratiques eurologiques et afrologiques, apporte une nouvelle perspective sur le timbre et l'orchestration. Tout d'abord, je présente deux idéologies afrologiques interdépendantes du timbre : la transmission de l'identité, du caractère ou de la personnalité par le timbre instrumental et ce qu'Olly Wilson (1992) appelle l'idéal du son hétérogène de la musique afro-américaine : une préférence esthétique pour le contraste timbral produisant une mosaïque d'éléments divers qui se combinent pour former un ensemble non mélangé mais unifié. En m'appuyant sur des exemples de compositeur.rice.s tel.le.s que Duke Ellington, Billy Strayhorn, Thad Jones, Toshiko Akiyoshi, Bob Brookmeyer et Maria Schneider, je démontre comment ces idéologies affectent les pratiques de composition, d'arrangement et d'interprétation. En outre, mes recherches ont permis de mieux comprendre la sémantique du timbre propre aux musicien.ne.s et compositeur.rice.s de jazz, terme qui renforce les idéologies susmentionnées. En outre, conformément à McAdams, Goodchild et Soden (en préparation) ainsi qu'à Touizrar et McAdams (2016), j'ai adapté la taxonomie liée aux principes de regroupement auditif pour la pratique de l'orchestration de cette musique afin que ces exemples et ces phénomènes timbraux puissent être intégrés dans les futures recherches ACTOR.

Showan Tavakol

La recherche est generalement recentrée sur les strategies d'integration et d'adaptation des elements ésthetiques des modes particulieres du Moyen-Orient vers un langage contemporaine occidentale. Tout en explorant et en analysant les éléments esthétiques importants des modes orientaux (systèmes du Maqam et du Dastgah) issus de la musique modale d’Orient (et particulièrement du Moyen-Orient), j’aborderai les différentes formes d’adaptation et de transformations de ces éléments esthétiques dans mes compositions contemporaines occidentales.

Pour illustrer la modification du langage traditionnel oriental vers le langage contemporain occidental, j’aborderai les motifs stéréotypes, les nucleus et les morphèmes modaux, nouveau concept d'amodalité à travers :

  • les formes spécifiques orientales et l’herméneutique des concepts musicaux

  • de courtes études pratiques pour des instruments occidentaux qui appartiennent à la même famille que leur équivalent oriental, ce qui mettra en évidence certains modes de jeu inusités provenant des instruments orientaux

  • certaines tendances communes entre ces deux langages

  • l’exploration du concept d’amodalité à travers l’atonalisme et le sérialisme

  • la mélodie de longue durée, les modes rythmiques d’Orient (iqa et osul), et la mesure rythmico-temporelle

  • l’infra-chromatisme

Jithin Thilakan

Le fondu des sources sonores dans une performance commune est une caractéristique importante pour l'évaluation et la reconstruction du champ sonore d'un orchestre/ensemble dans la vie réelle et dans le domaine de la réalité virtuelle. Il est également pertinent dans des domaines tels que la composition et l'orchestration musicales, l'adaptation acoustique des scènes et des salles, et la production musicale. Après une évaluation macroscopique de la fusion à l'aide d'un test d'écoute en direct, une étude au niveau microscopique, c'est-à-dire l'analyse du signal de la fusion, est présentée dans ce travail. Les violons joués lors d'une performance conjointe sont enregistrés à l'aide de microphones individuels, et un test d'écoute avec des Tonmeister.innen et des musicien.ne.s est réalisé à l'aide d'échantillons sonores extraits de l'enregistrement. Les caractéristiques des signaux musicaux et audio ont été extraites des échantillons sonores afin d'étudier les caractéristiques potentielles qui contribuent à l'impression de mélange. Les données de caractéristiques audio de plus grande dimension sont analysées à l'aide de techniques statistiques de réduction de la dimensionnalité telles que PCA, LDA, etc. Les premiers résultats indiquent que les caractéristiques MFCC analysées à l'aide de LDA soutiennent une hypothèse permettant de prédire l'impression de mélange à des niveaux microscopiques.

La deuxième partie de cette présentation comprend une étude de la conservation de l'impression de mélange dans des environnements simulés. Une simulation acoustique de la salle de concert de Detmold est développée à l'aide du logiciel commercial ODEON et optimisée à l'aide des paramètres acoustiques traditionnels mesurés dans la salle de concert. Un ensemble de violons joué dans la salle de concert est sonorisé à l'aide de la simulation acoustique de la salle. Enfin, le champ sonore des simulations et des mesures réelles est comparé à l'aide d'évaluations perceptives afin de vérifier si l'impression de fondu est conservée dans les simulations. 

Kathleen Zhang

Le projet ODESSA (Orchestral Distribution Effects in Sound, Space, and Acoustics) fourni une abondance de matériel multipiste provenant de l’enregistrement de grands ensembles jouant un répertoire harmoniquement complexe. Ces enregistrements, entièrement mixés et réalisés, présentent un mélange de perspectives timbrales : des décisions musicales précises du.de.la chef.fe d'orchestre et de l'orchestre à la réverbération de la salle, en passant par les conceptions sonores des ingénieur.e.s qui ont placé chaque microphone. Ce projet « Anatomie d'un mixage » (Anatomy of a Mix) sera intégré au nouveau module en ligne d’ODESSA dans la ressource Timbre et Orchestration (TOR). Il déconstruit l'idée d'un son orchestral et fondu dans les différents systèmes de microphones qui servent de points de capture. En utilisant les perspectives de chacune de ces sources : d'un micro de contact qui chevauche le corps d'un violon à une paire d'omnis à petit diaphragme faisant face au mur au fond de la salle, cette série en ligne fournit un commentaire et un contexte pour chaque point de capture du son orchestral et explique ce qu'il apporte au timbre du mixage dans son ensemble. Chaque extrait (« Sujet » en termes d'ODESSA) est exploré de différents points de vue. Par exemple, un sujet qui présente l'ensemble de l'orchestre pourrait être examiné du point de vue d'un.e ingénieur.e du son qui additionne les systèmes pour créer un mixage stéréo cohérent, mais un sujet qui se concentre davantage sur une ligne d'instruments individuels pourrait se concentrer sur la façon dont le timbre de cet instrument change en fonction des différents points de capture dans la salle. Jusqu'à présent, l'Anatomie d’un mixage explore l'enregistrement à Montréal, mais elle s'étendra également aux itérations ultérieures d'ODESSA.

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